Se trata de un recorrido por el siglo XX e inicios del XXI
ZARAGOZA, 10 (EUROPA PRESS)
CaixaForum Zaragoza acoge, del 11 de julio al 27 de octubre, la exposición ‘Arte y naturaleza. Un siglo de biomorfismo’, un recorrido por el arte del siglo XX e inicios del siglo XXI a través del diálogo entre los lenguajes creativos en torno al arte y la naturaleza.
Concebida por el Centre Pompidou y la Fundación ‘la Caixa’, la muestra permite una nueva aproximación a grandes artistas de la modernidad, como Picasso, Kandinsky, Le Corbusier, Raoul Hausmann, Jean Arp, Georgia O’Keeffe o Alvar Aalto, en diálogo con artistas de las últimas décadas que han aportado nuevos puntos de vista comprometidos, como Jeremy Deller o Neri Oxman.
El director de CaixaForum Zaragoza, Ricardo Alfós, y la comisaria de la exposición y conservadora del Centre Pompidou, Angela Lampe, han presentado este miércoles Arte y naturaleza. Un siglo de biomorfismo.
‘Arte y naturaleza. Un siglo de biomorfismo’ brinda una oportunidad de reflexionar sobre el pasado y el presente de la relación entre el arte y la naturaleza, entre la cultura y la ciencia a partir de las ricas colecciones del Centre Pompidou.
La muestra presenta una selección de primer nivel de obras del siglo pasado de todas las disciplinas, pintura, escultura, fotografía, arquitectura, cine y diseño, en la que se incluyen nombres como Salvador Dalí, Raoul Hausmann, Vasily Kandinsky, Le Corbusier, Alvar Aalto, Alberto Giacometti, Jean Arp, Alexander Calder, Georgia O’Keeffe y Max Ernst, entre muchos otros, con una presencia importante de artistas de las últimas décadas que han aportado nuevos puntos de vista comprometidos como Neri Oxman.
La exposición arranca en torno a 1920. La aparición de formas orgánicas dio lugar al surgimiento del concepto biomorfismo. Fue introducido por Alfred H. Barr, primer director del MoMA, en una exposición de 1936 dedicada al arte abstracto para diferenciar las obras que no encajaban en las características del arte abstracto y geométrico propias de aquella época.
La muestra se articula en cuatro ámbitos temáticos tejidos sobre una base cronológica y temática. La muestra se articula en cuatro ámbitos temáticos tejidos sobre una base cronológica y temática. Arranca con los artistas surrealistas y llega hasta hoy, cuando los artistas se replantean la relación con el entorno, amenazado por múltiples crisis.
EXPOSICIÓN PLURIDISCIPLINAR
En cada espacio se establece un diálogo cronológico y temático que permite establecer múltiples conexiones. Se trata de una exposición pluridisciplinar, que toma como modelo las propias colecciones del Centre Pompidou. La pintura y la escultura aparecen junto a la fotografía, el cine y el diseño. El diálogo entre diferentes disciplinas transforma nuestra percepción de las obras y crea nuevos significados.
Julio González es otro de los grandes escultores presentes en la exposición. En Cactus II, de 1939; se borran las categorías de lo natural y lo cultural, de lo material y lo espiritual.
Obras de Yves Tanguy y Max Ernst de los años cuarenta y cincuenta se combinan con una película del realizador neozelandés Len Lye, Tusalava, de 1929, que muestra un juego de formas orgánicas.
La exposición presta atención a la contribución de las mujeres artistas, como Georgia O’Keeffe, de la que se presenta una pintura de 1924, Red, yellow and black streak ‘Estría roja, amarilla y negra’. En la obra de O’Keeffe salimos del cuerpo femenino y las formas antropomórficas se proyectan en la naturaleza.
Para terminar con algunas obras enigmáticas: ‘Ubu IV’, pintura de Le Corbusier de 1940, que se inspira en el personaje de Alfred Jarry; Jour de lenteur ‘Día de lentitud’, de Yves Tanguy, de 1937, que explora el paisaje interior; Les trois cyprès ‘Los tres cipreses’, de 1951, pintura de Max Ernst en la que los visitantes volverán a encontrar la forma antropomórfica: el ser humano transformado en un árbol imposible.
Un grupo de obras trata de la transfiguración del cuerpo humano en flor. Laurens esculpe un ser que se convierte en una forma antropomórfica en Femme fleur ‘Mujer flor’, de 1942. También destaca Le chapeau à fleurs ‘El sombrero de flores’, de 1940, de Picasso, en el que se da la hibridación entre la mujer y el sombrero de flores. Femme au chapeau ‘Mujer con sombrero’, de 1935, borra las fronteras entre lo natural y lo artificial, lo vegetal y lo humano. La flor representa la belleza, pero también el sexo, la fecundidad, por ejemplo, en Femme-fleur ‘Mujer flor’, de 1984, una obra tardía de Brassaï elaborada en mármol rosa.
Otras veces, la metamorfosis tiene un aspecto degradante, como en la obra de Salvador Dalí L’Âne pourri ‘El asno podrido’, de 1928, que introduce a los visitantes en el movimiento surrealista.
ESCULTURAS DE ARP
En la exposición pueden verse distintas esculturas de Arp de los años treinta. Bajo la belleza abstracta se pueden reconocer las formas del cuerpo: Concretion humaine sur coupe ‘Concreción humana sobre cuenco’, de 1935; Bourgeon ‘Yema’, de 1938; Torse préadamite ‘Torso preadamita’, de 1938. Las formas naturales se estilizan y se sintetizan al pasar por el filtro del sueño.
Uno de los atractivos de esta sección es la posibilidad de contemplar las esculturas de Arp junto al universo sensual de las fotografías de desnudos femeninos de Raoul Hausmann, de 1930-1934.
Hausmann realizó una parte importante de su obra en Ibiza, en la época del descubrimiento de la isla por los artistas internacionales. El cuerpo de la mujer, tumbado en la playa, se convierte en una escultura abstracta. De lo corporal concreto pasamos a lo inmaterial, espiritual y aéreo en la obra de Jean Arp Constellation ‘Constelación’ de 1932 -1961.
MIMETISMO
En el apartado de mimetismo se examina la fascinación de los artistas por las formas naturales que los lleva a incorporarlas en sus obras.
En otras ocasiones se imita la estructura, la forma y los principios que rigen el movimiento de animales y plantas, como en el caso de la obra de Alexander Calder Four Leaves and Three Petals ‘Cuatro hojas y tres pétalos’, de 1939, en la que las formas que crea el artista se mueven como los elementos del mundo real. La exposición muestra dos piezas del arquitecto Alvar Aalto: la silla Paimio 41, de 1930, y Flowers ‘Flores’, de 1940, obras de creación que toman como referente la simplicidad y la belleza del mundo vegetal.
Un capítulo final está dedicado al mundo geológico con una obra de Alberto Magnelli sobre las piedras y la tierra, y una obra de Jean Dubuffet de 1961 que recrea la textura de la tierra. También, el fotógrafo Paul Nash retrata cantos rodados y paredes de piedras.
Para terminar, una obra de Simone Forti: dos películas de 1974, un vídeo con dos grandes osos grizzlys enjaulados y un segundo vídeo en el que Forti se inspira en los movimientos de esos mismos osos para crear una coreografía.
La fotografía tiene un peso fundamental también en este apartado, de nuevo a través de los trabajos de Raoul Hausmann, de quien se exponen dos fotografías de 1931.
Otro fotógrafo destacado, vinculado al movimiento de la Nueva Objetividad, que se impuso en Europa a caballo entre los años veinte y treinta, es Albert Renger-Patzsch, con una foto de un cactus de 1922. En esa época, el cactus se presentaba como una forma natural de naturaleza escultórica y fascinaba a artistas como Julio González. Renger-Patzsch también fotografía helechos en una búsqueda de los principios estructurales de hojas y frondas.
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